Grand Complication Nedir

 

Grand Complication Nedir? Otomatik Saatlerde En Karmaşık Özelliklerin Detaylı Rehberi

Mekanik saatçilik dünyasında “Grand Complication” terimi, bir saatin yalnızca zamanı göstermenin ötesine geçerek birçok ileri düzey fonksiyonu bir arada sunmasını ifade eder. Özellikle Patek Philippe, Vacheron Constantin ve Audemars Piguet gibi köklü markalar, bu alanda saat ustalığının zirvesini temsil eder.

Bu makalede, otomatik saatlerde “grand complication” olarak adlandırılan tüm önemli özellikleri detaylı ve anlaşılır şekilde inceleyeceğiz.

---

Grand Complication Ne Anlama Gelir?

Saatçilikte “komplikasyon”, saatin temel işlevi olan saat ve dakika göstergesinin dışındaki her ek özelliği ifade eder. Bir saatte birden fazla üst düzey komplikasyonun bir araya gelmesi ise onu “grand complication” kategorisine taşır.

Genellikle şu üç ana kategori bir araya geldiğinde bu unvan kullanılır:

• ⏱️ Zaman ölçüm fonksiyonları

• 📅 Takvim sistemleri

• 🔔 Sesli mekanizmalar

---

1. Perpetual Calendar (Sürekli Takvim)

Perpetual calendar, saat dünyasının en etkileyici komplikasyonlarından biridir. Bu sistem:

• Ayların farklı gün sayılarını otomatik olarak ayarlar (28, 30, 31)

• Artık yılları hesaplar

• Yüzyıllık takvim döngüsüne göre çalışır

Bu mekanizma o kadar hassastır ki, doğru ayarlandığında onlarca yıl boyunca manuel müdahale gerektirmez.

👉 Mekanik olarak yüzlerce parçadan oluşur ve üretimi son derece zordur.

---

2. Moonphase (Ay Fazı Göstergesi)

Moonphase komplikasyonu, Ay’ın Dünya’dan görünen evrelerini saat kadranında gösterir.

• Yeni ay, ilk dördün, dolunay gibi fazlar izlenebilir

• Genellikle estetik bir disk üzerinden çalışır

Üst düzey saatlerde bu mekanizma o kadar hassastır ki, 100–120 yıl boyunca yalnızca 1 gün sapma gösterir.

---

3. Minute Repeater (Dakika Tekrarlayıcı)

Minute repeater, mekanik saatçiliğin en prestijli komplikasyonlarından biridir.

• Bir düğmeye basıldığında saat, zamanı sesli olarak çalar

• Saat, çeyrek saat ve dakika ayrı tonlarla ifade edilir

Örneğin:

• Kalın ses → saat

• Çift ton → çeyrekler

• İnce ses → dakikalar

👉 Bu sistemin üretimi son derece zordur çünkü hem mekanik hem akustik mükemmeliyet gerektirir.

---

4. Chronograph (Kronograf)

Chronograph, süre ölçümü yapan bir komplikasyondur.

• Başlat / durdur / sıfırla fonksiyonları bulunur

• Spor ve yarış gibi aktivitelerde kullanılır

Mekanik kronograflar, özellikle sütun çarkı (column wheel) ve dikey kavrama (vertical clutch) gibi gelişmiş sistemler içerdiğinde çok daha değerli hale gelir.

---

5. Split-Seconds Chronograph (Rattrapante)

Rattrapante, kronografın daha gelişmiş bir versiyonudur.

• Aynı anda iki farklı süre ölçebilir

• Ara zamanları kaydetmek için idealdir

Örneğin bir yarışta hem toplam süreyi hem de tur zamanını ölçebilirsiniz.

👉 Mekanik açıdan son derece karmaşık ve nadir bir komplikasyondur.

---

6. World Time (Dünya Saati)

World Time komplikasyonu, birden fazla zaman dilimini aynı anda gösterir.

• Şehir halkası içerir (Paris, Tokyo, New York vb.)

• Tek bakışta global saat bilgisi sunar

Seyahat edenler ve uluslararası iş yapanlar için oldukça kullanışlıdır.

---

7. Annual Calendar (Yıllık Takvim)

Annual calendar, perpetual calendar’a göre daha basit bir sistemdir.

• 30 ve 31 günleri otomatik ayarlar

• Yılda yalnızca bir kez (Şubat sonunda) manuel ayar gerekir

👉 Daha erişilebilir ama hâlâ oldukça karmaşık bir mekanizmadır.

---

8. Power Reserve Indicator (Güç Rezervi Göstergesi)

Bu özellik, saatin kalan enerji miktarını gösterir.

• “40 saat kaldı” gibi bilgi sunar

• Özellikle otomatik saat kullanıcıları için önemlidir

Saatin ne zaman kurulması gerektiğini anlamayı kolaylaştırır.

---

9. Tourbillon

Tourbillon, teknik olarak bir komplikasyon sayılmasa da grand complication saatlerde sıkça bulunur.

• Mekanizmayı döndürerek yerçekiminin etkisini azaltır

• Hassasiyeti artırmayı hedefler

Bugün daha çok ustalık ve prestij göstergesi olarak kabul edilir.

---

10. Grande Sonnerie ve Petite Sonnerie

Bu komplikasyonlar, saatin zamanı otomatik olarak sesli şekilde bildirmesini sağlar.

• Grande Sonnerie: Saat ve çeyrekleri otomatik çalar

• Petite Sonnerie: Daha sınırlı bir çalma düzeni vardır

👉 Bu sistemler, minute repeater’dan bile daha karmaşık kabul edilir.

---

11. Equation of Time (Zaman Denklemi)

Bu nadir komplikasyon, gerçek güneş zamanı ile standart saat arasındaki farkı gösterir.

• Astronomik hesaplamalara dayanır

• Yıl boyunca değişen zaman farklarını gösterir

👉 Genellikle koleksiyoner saatlerinde bulunur.

---

Grand Complication Saatlerin Önemi

Grand complication saatler:

• Yüzlerce hatta binlerce parçadan oluşur

• El işçiliği ve mühendisliğin zirvesini temsil eder

• Yıllar süren Ar-Ge ve üretim süreçlerinden geçer

Bu nedenle bu saatler sadece bir zaman ölçüm aracı değil, aynı zamanda sanat eseri ve yatırım aracı olarak görülür.

---

Sonuç

“Grand complication” kavramı, saatçiliğin ulaştığı en yüksek teknik ve estetik seviyeyi temsil eder. Perpetual calendar’dan minute repeater’a, tourbillon’dan rattrapante kronografa kadar her bir komplikasyon, insan mühendisliğinin ve zanaatkârlığının bir göstergesidir.

Eğer lüks saatler, mekanik saat komplikasyonları, grand complication saatler veya üst düzey saatçilik rehberi gibi konulara ilgi duyuyorsanız, bu dünya keşfedilmeyi fazlasıyla hak eder.

İzlediklerim: The Rider - Binici ( Chloé Zhao 2017) IMDb 7,4

 

Analiz 1

Bu eleştirmenin son bir yılda izlediği en iyi Amerikan filmi olan Chloé Zhao'nun "The Rider"ı, neredeyse simyasal bir zıtlık birleşimiyle büyüklüğe ulaşan nadir eserlerden biri. Güney Dakota'daki bir Kızılderili rezervasyonunda rodeo binicilerinin öyküsünü anlatan film, o kadar gerçek olaylara dayanıyor ki neredeyse belgesel olarak nitelendirilebilir. Yine de filmin tarzı, ışık, manzara ve atmosfer duygusu, aynı anda ona en kendinden emin sinematik şiirin büyüleyici gücünü veriyor.

Bunun üzerine, yerli Amerikan ve aşırı erkeksi bir kültürün bu büyüleyici vizyonunun Pekinli genç bir kadın film yapımcısından gelmesi de eklenince, "The Rider"ın başarıları oldukça şaşırtıcı. Chloé Zhao bir süredir ABD'de yaşıyor ve ilk uzun metrajlı filmi "Songs My Brother Taught Me" de aynı rezervasyonda çekilmiş ve oyuncu kadrosunda aktörler yerine yerel halktan kişiler kullanılmıştı. O filmi incelerken, Terrence Malick ile ilişkilendirilen sinematik konuları ve stratejileri ödünç alan filmler kategorisine ait olduğunu söylemiştim . Bu etki Zhao'nun çalışmalarının altında hâlâ yatıyor olsa da, burada çırak bir usta olarak ortaya çıkıyor; "The Rider" selefinin çok ötesinde bir sıçrama.

Zhao'nun filmi yaparken en önemli başarılarından biri, filmin baş karakteri Brady Blackburn'ü canlandıran ve yaklaşık 20 yaşında görünen Brady Jandreau'yu keşfetmesiydi. "The Rider"ı ilk izlediğimde film hakkında hiçbir şey bilmiyordum ve filmin yaklaşık üçte birinde hem heyecan verici hem de son derece açıklayıcı bir sahne vardı. Brady, bir çiftlik sahibi ve adamın daha önce hiç binilmemiş olduğunu söylediği vahşi bir atla bir ahırda bulunuyor. Brady, atı eğitmeyi teklif ediyor ve bunu yapmaya başlıyor; onu izlemek nefes kesici.

Söylentilere göre, bu olay çekimler sırasında yaşandı: Vahşi bir atın bulunduğu bir çiftlikteydiler ve Brady onu evcilleştirmeyi teklif etti. Zhao, kamerayı iki 40 dakikalık çekim için açık bıraktı. Birkaç dakika süren yaklaşık 20 çekimden oluşan bu sekans, atın tekmelemesinden, şaha kalkmasından ve geri tepmesinden, Brady'nin onu okşamasına, sırtına binmesine, sürmesine ve sonra tekrar inmesine kadar tüm süreci gösteriyor. Kendi başına büyüleyici olan bu sahne, bir şeyi açıkça ortaya koyuyor: Bu adam oyuncu değil .

Ama aslında öyle, hem de gerçekten harika biri. Sadece "The Rider"dan önce başka bir şeydi: vahşi at binicisi ve at eğitmeniydi ve her iki alanda da zirvedeydi. Filmin başında karakterinin karşılaştığı sorun -Jandreau'nun kendi hayatından alınmış bir sorun- bir rodeoda at binerken geçirdiği kötü bir düşüş sonucu ciddi bir kafa travması geçirmesi ve bir daha yarışıp yarışamayacağı konusunda soru işaretleri olmasıdır. Onu ilk gördüğümüzde, evde yalnız başına, tıraş edilmiş kafatasından cerrahi dikişleri çıkarmaya çalışmaktadır.

Film, bir adamın ata bindiğini gösteren kısa rüya sekanslarıyla başlıyor ve bitiyor. Bu, Brady ve onun gibi adamlar için ata binmenin hayatın en büyük hayali olduğu fikrini uyandırıyor. Ama bu çok kırılgan bir hayal. Tek bir kötü olay her şeyi bitirebilir. Bu nokta, Brady'nin en iyi arkadaşı, akıl hocası ve kişisel kahramanı olan boğa binicisi Lane'i ( Lane Scott ) ziyaret ettiği birkaç sahnede yıkıcı bir şekilde açıkça ortaya konuyor. Lane, onu felç eden ve konuşamaz hale getiren bir felaket yaşamıştır. Kelimeleri elleriyle heceleyerek iletişim kurar. Filmin sonlarında Brady'ye verdiği büyük mesaj basittir: Hayallerinden vazgeçme. Elbette çok önemli bir fikir, ama söylemesi yapmaktan çok daha kolay.

Lane örneğinde de, karakter ile onu canlandıran oyuncu arasında neredeyse hiç mesafe yok. Lane gerçekten Brady'nin en iyi arkadaşı ve konuşamama da dahil olmak üzere ciddi bir engellilik durumunda. İki genç adam arasındaki sahneler, herhangi bir filmde gördüğüm en dokunaklı ve hassas sahnelerden bazıları ve bu kadar somut bir gerçeklikte olmaları onları daha da etkileyici kılıyor.

“The Rider”ı ikinci kez izlerken, senaryolu bir film olmasına rağmen (Zhao tarafından yazılmış), karakter gelişimleri, giderek artan çatışmalar ve senaryo yazım derslerinde öğretilen diğer tüm unsurları içeren geleneksel bir hikayeye sahip olmadığını fark ettim. Yine de, dramatik bir yapım olarak tamamen sürükleyici ve tatmin edici. Bence başarısının anahtarı, Zhao'nun bizi Brady karakterine ve onun dünyasına son derece duyusal ve içgüdüsel bir şekilde dahil etme biçiminde yatıyor.

Görüntü yönetmeni James Joshua Richards, burada sergilediği muhteşem çalışmayla Malick'in en iyi filmleriyle kıyaslanabilecek bir isim. Richards, Brady'yi dar bir çerçeveye alıp yakından takip ediyor (ve onu harika bir şekilde aydınlatıyor), böylece olaylara onun gözünden baktığımız hissini yaratıyor. Bu olayların en önemlileri, yani yakın çevresindekiler, babası Wayne ( Tim Jandreau ) ve otizmli kız kardeşi Lilly ( Lilly Jandreau ). Burada da Zhao, Brady'nin ailesinin gerçek hayattaki iki üyesinden aldığı harika performanslarla mucizeler yaratıyor.

Lilly, Brady'nin en büyük duygusal desteğidir ve onun için incelikli bir şekilde aydınlatıcı olan şaşırtıcı şeyler söyler. Wayne, tamamen sempatik olmasa da, zor bir tiptir; olması gerekenden daha fazla zamanını içki içerek ve eğlenerek geçirir. Filmin başlarında bunun sonucu olarak, karavanlarının kirasını ödemekte aylarca geride kalır ve borcunu kapatmak için Brady'nin en sevdiği atını satar. Daha sonra oğlunun umutsuzluğunu azarlamaya çalıştığında, Brady öfkeyle, içinde bulunduğu durumun babasının "erkek ol! kovboy ol!" diye ısrar etmesine uyarak hayatını geçirmesinden kaynaklandığını söyler.

Brady ve ailesi de dahil olmak üzere buradaki insanlar, Pine Ridge Rezervasyonu'nun Lakota Sioux yerlileridir ve "The Rider" bize buranın, manzaralarının ve uzun süredir devam eden "kovboy Kızılderilileri" kültürünün zengin bir tasvirini sunuyor. Filmin en önemli erdemlerinden biri, en ufak bir küçümseme dokunuşu olmadan alt sınıftan çalışan Amerikalıların bir portresini çizmesidir. Bu insanlar için işin ne anlama geldiğini net bir şekilde anlıyoruz. Brady için bu büyük bir yük olabilir; örneğin para kazanmak için bir markette işe girdiğinde, bu rodeo ünlüsünün rafları doldurmasına şaşıran genç yerli hayranlar tarafından tanınır. Ancak iş aynı zamanda Brady'nin atlarla olan neredeyse mistik bağlantısını ve o ahırda sergilediği olağanüstü becerileri de ifade eder.

Chloé Zhao'nun "The Rider"da sergilediği etkileyici yetenekler, onu dünyanın en önemli genç yönetmenlerinden biri olarak kolayca öne çıkarıyor. Ancak burada eserini gerçekten farklı kılan şey, harika film yapımcılığı becerilerinin ötesinde bir şey: karşılaştığı tüm canlıların yürekten gelen mücadelelerini onurlandıran, şefkatli bir gerçekçiliğe dayanan, derinden insancıl bir vizyon.

rogererbert.com

The Rider (Binici) Filmi: Gerçeklik ve Kimlik Arayışının Etkileyici Hikâyesi

The Rider (Binici), yönetmen Chloé Zhao imzası taşıyan ve modern sinemanın en etkileyici bağımsız yapımlarından biri olarak öne çıkan bir dram filmidir. 2017 yapımı bu eser, gerçek hayatla kurduğu güçlü bağ ve doğal anlatımı sayesinde hem eleştirmenlerden hem de izleyicilerden büyük övgü almıştır.

The Rider Konusu

Film, genç bir rodeo binicisi olan Brady Jandreau’nun yaşamına odaklanır. Geçirdiği ciddi bir kafa travması sonrası doktorlar onun bir daha ata binmemesi gerektiğini söyler. Ancak Brady için rodeo sadece bir spor değil, aynı zamanda kimliğinin merkezidir.

Bu noktadan sonra film, bir insanın hayallerinden vazgeçmek zorunda kaldığında yaşadığı içsel çatışmayı derinlemesine işler. Brady’nin hem fiziksel hem de duygusal iyileşme süreci, izleyiciye son derece gerçekçi ve dokunaklı bir şekilde aktarılır.

Gerçek Bir Hikâyeden İlham

The Rider filmi, klasik kurgu yapımların aksine gerçek olaylardan esinlenmiştir. Başrol oyuncusu Brady Jandreau, filmde aslında kendi hayatını canlandırır. Bu durum, filme belgesel tadında bir doğallık kazandırır ve izleyicinin hikâyeyle daha güçlü bir bağ kurmasını sağlar.

Temalar: Kimlik, Özgürlük ve Kayıp

Film, birçok evrensel temayı ustalıkla işler:

• Kimlik Arayışı: Bir insan, hayatını tanımlayan şeyi kaybettiğinde kim olur?

• Özgürlük ve Doğa: Amerikan kırsal yaşamı ve atlarla kurulan bağ üzerinden özgürlük kavramı sorgulanır.

• Kayıp ve Kabullenme: Brady’nin yaşadığı fiziksel ve psikolojik kayıp, filmin en güçlü yönlerinden biridir.

Bu temalar, filmi sadece bir spor hikâyesi olmaktan çıkarıp derin bir insanlık anlatısına dönüştürür.

Sinematografi ve Anlatım Tarzı

Yönetmen Chloé Zhao, doğal ışık kullanımı ve amatör oyuncularla çalışması sayesinde son derece gerçekçi bir atmosfer yaratır. Filmde geniş Amerikan bozkırları ve sade yaşam tarzı, görsel olarak etkileyici bir arka plan sunar.

Minimalist diyaloglar ve uzun sahneler, izleyicinin karakterin iç dünyasına daha fazla odaklanmasını sağlar. Bu yönüyle The Rider, modern bağımsız sinemanın en iyi örneklerinden biri olarak kabul edilir.

The Rider Oyuncuları

Filmde profesyonel oyuncular yerine çoğunlukla gerçek kişiler yer alır:

• Brady Jandreau

• Lilly Jandreau

• Tim Jandreau

Bu tercih, filmin gerçeklik hissini önemli ölçüde artırır.

Neden The Rider İzlenmeli?

The Rider (Binici), sıradan bir dram filminden çok daha fazlasıdır. Gerçek bir hayat hikâyesine dayanması, güçlü temaları ve sade anlatımıyla izleyiciye derin bir deneyim sunar.

Eğer bağımsız filmler, gerçek hikâyeler, dram filmi önerileri veya anlamlı film tavsiyeleri arıyorsanız, bu film mutlaka izleme listenizde yer almalıdır.

Sonuç

The Rider filmi, insanın kendi kimliğiyle yüzleşmesini ve hayatın beklenmedik kırılma noktalarına nasıl tepki verdiğini etkileyici bir şekilde anlatır. Yönetmen Chloé Zhao’nun özgün bakış açısı ve Brady Jandreau’nun doğal performansı, filmi unutulmaz kılar.

SEO açısından bakıldığında, “The Rider filmi konusu”, “The Rider oyuncuları”, “Binici filmi analizi” ve “Chloé Zhao filmleri” gibi anahtar kelimelerle arama yapan kullanıcılar için oldukça değerli ve kapsamlı bir içerik sunmaktadır.

Eski İzlediklerim: Paris 13th District - Paris 13. Bölge (Jacques Audiard 2021) IMDb 7,0

 

Eski İzlediklerim: Crimes of The Future - Müstakben Suçlar (David Cronenberg 2022) IMDb 5,8

 

Eski İzlediklerim: Titane (Julia Ducournau 2021) IMDb 6,4

 

Eski İzlediklerim: Shiva Baby - Şiva bebeği (Emma Seligman 2020) IMDb 7,1

 

İzlediklerim: The Little Things - Küçük İpuçları (John Lee Hancock 2021) IMDb 6,3

 

Analiz 1

2021'den tatlı bir melankoli, nefis. Az önce izlediğiniz filmin ne hakkında olduğunu bilmek mi istiyorsunuz? Görüşümü paylaşıyor ve açıklama yapıyorum.

Film, 10/10 puanla hemen "altın rafıma" yerleşti ve daha fazla ayrıntı, anlam ve boyut görmek, eğlenmek için birkaç kez daha gözden geçirmek istiyorum. Sıklıkla olduğu gibi, aynı kişi tarafından çekilen ve yazılan, yüksek düzeyde emek içeren filmler kesinlikle başarısız olmaz. İşte bu "yönetmen sineması" hakkındaki değerlendirmem ve yorumum.

Görseller ve Estetik

Burada gerçekten çok güzel bir film var. Melankolik, canlı bir anlatım, her saniyesi keyif veriyor.

Çekimler mükemmel. Sıkıcı sahneler yok, gereksiz ve teknik detaylar yok; bizi ekranda olup bitenlere tamamen kaptırıyor. Işıklandırma muhteşem bir şekilde kurgulanmış; filmde gece ve gündüz sahneleri kesin olarak birbirinden ayrılmış, post-prodüksiyon en üst düzeyde yapılmış: doygun ve kontrastlı bir görüntü ortaya çıkmış. Karakterlerin konuşma ve hareket temposu özel bir övgüyü hak ediyor: tüm film sabit bir tempoda ilerleyen bir melodi gibi. Kimse koşmuyor, kimse sıkıcı değil. Hiçbir şey patlamıyor, hiçbir aksiyon dramatik bir şekilde abartılı bir hal almıyor. Sadece ekranda hayat var.

"The Little Things" filmindeki araba kovalamaca sahnesi, benim için genellikle ayrı bir olay olarak, bu filme olan övgülerimin doruk noktası olarak hatırlanacak.

Bu film, film yapımcısının izleyiciyle konuştuğuna ve belirli anlamlar ilettiğine inanmayanları kızdıracaktır. Bu film bize okumamız için belirli bir hikaye gösteriyor, yazarlar bunu okumamızı istiyor. Bu nedenle, olaylar akıcı ve acele etmeden gelişiyor.

Ses

Shazam düğmesine sürekli basılı tutmak zorunda kaldım! Duyduğumuz her şey, resmi tanımlamaktan ziyade *tamamlıyor*, sanki *çizilmiş, yazılmış* *kanala* düşüyor. Sinemada bu derecede video ve ses uyumunu 5-6 yılda bir, hatta daha az sıklıkla duymak bizim için bir onur. Seçilen şarkı başlıkları ve sözleri, ekranda olanları kelimenin tam anlamıyla anlatıyor. Özellikle karakterin önemli bir konuşmadan aniden dikkatinin dağıldığı ve "sesini aç, 50'lerin müziğini seviyorum" dediği sahne akılda kalıcı. Bu anda bir dedektif hikayesine değil, mükemmel bir kompozisyona, Mona Lisa'ya bakıyoruz.

Radyoda çalan şarkının sözleriyle birlikte, bu, ikinci plandaki karakterin açığa çıkışının en önemli anı; onu, televizyon dizilerinde olduğu gibi (ve çoğu zaman beceriksiz ve sıkıcı bir şekilde sonuçlanan) sayısız sahne ve durumdan çok daha yakından tanıyoruz. Bu sinema, bize mevcut tüm ifade araçlarıyla, duyguların diliyle konuşuyor. Karanlık bir hikaye gösterilmesine rağmen, büyüleyici ve güzel.

Döküm

Karizmatik, akılda kalıcı oyunculara en "uygun" roller veriliyor. Rami Malek'in rolünün nasıl olacağı konusunda endişeler vardı; birdenbire "ona uymayan", daha olgun, daha ciddi, daha deneyimli bir karakteri canlandıracaktı. Her şey son derece uyumlu çıktı. Muhtemelen bunun nedeni, Rami'nin kendisinin de meslektaşı (Denzel Washington) karşısında nasıl göründüğünü çok iyi hissetmesiydi. Üstelik Denzel Washington'ın rolü daha "sağlam" bir roldü.

Ön planda, şehrin en ciddi suç vakalarından birini araştıran iki polis memurundan oluşan canlı bir ekip görüyoruz; aralarında hemen özel bir ilişki gelişecek. Kendilerini fazla göstermeyecekler, çatışmalara veya dostluğa zaman harcamayacaklar; bu film daha derin konularla ilgili... İnsan ilişkilerine zaman kaybettirecek meselelerle ilgili. Gözlerimizin önünde gerçek hayatlarını yaşıyorlar - vakayı araştırıyorlar ve görevlerinin daha derin bir konuda birleştiğini çabucak fark ediyorlar. Bunlar onların gerçek hayatları, çıkmaza girmiş arayışçıların hayatları.

Bu kadar yüksek bir başlangıç ​​planıyla, geri kalan her şey kendiliğinden gelişir ve yapbozun parçalarını bir araya getirir.

Hikaye

Karakterlerden hiçbiri ölü gibi görünmüyor, duvarda gereksiz bir silah var ve ateş etmiyor.

IMDb'deki 6/10 puanı muhtemelen hikaye örgüsüyle ilgili. İzleyici bir dedektif, bir sonuç ve tahmin edilebilirlik bekliyor. Sıkıcı olması bekleniyor, ancak bu hikaye ne toprak ne de su gibi. Derin soruları ele alan psikolojik bir film gibi görünüyor. Kitlesel izleyici kitlesi gösterilecek olan sonuca hazır değil.

Üzgünüm ki bu, geniş kitlelere hitap eden bir film değil. Konuyu beğenecek daha genç bir izleyici hayal etmek zor. Aynı şekilde, beğenmek isteyen daha yaşlı bir izleyici de hayal edemiyorum. Ana temanın karmaşıklığı ve yanlış anlaşılması nedeniyle, ortalama bir puan hak ettiğini düşünüyorum.

Bu olay örgüsü ne hakkında?

Filmi izleyip de "sonuna kadar" anlamayanlar için biraz odun atacağım. Ancak, sonuna kadar izledim ve hiçbir şey anlamadım, çünkü amaç bu değil. Ama yorumumu burada bırakacağım. Elbette, sanat izleyicilerin yorumu için yaratılır ve Küçük Şeyler'in yazarları bize tamamen anlaşılabilir bir hikaye sundular, sadece onu okuyabilmemiz gerekiyor.

Öncelikle, bu "hafif" bir film. Karmaşık şeyleri basit bir dille anlatıyor. Bir diğer nokta ise, olayların alışılmadık olması. Bu nedenle, gerçekten görünen gerçeklere bakmak ve tarihin kahramanlarına öğrettiği soruları sormak "sonuca ulaşmak" için yeterli olacaktır.

İkinci olarak, bu film tırnak içinde yazılmış bir film. "Seven" (1995) filmine yapılan göndermeler, filmin büyük bir bölümünde geri planda kalmıyor, sadece bizi ahlaki ve değer odaklı bir bağlama sokmaya yarıyor... Bir polis memurundan tipik olarak beklenen "öldürmek kötüdür"den çok daha fazlası. Zaman kodlarıyla birlikte film repliklerinin eksiksiz bir listesini toplamam gerekiyor, bu son derece ilginç bir hafıza egzersizi olacak - bazı şeyleri isimleriyle hatırlamıyorum, sadece alıntı olarak izlediğim şeyler. Hem anlatısal hem de görsel alıntılar.

Eğer beni affederseniz, bu çok "özgün" bir olay örgüsü değil. Gördüğümüz her şey daha önce sinemada gösterilmiş, 20. yüzyılın ikinci yarısının Amerikan klasiklerinden. Bunlar, ruhu, anlamı ve zevkiyle çekilmiş, tozlanıp geçmişe karışan ve bazen sanki sadece yönetmenler ve senaristler bugün onların dilini konuşuyormuş gibi görünen aksiyon filmleri. "Küçük Şeyler"deki alıntılar, dünya sinemasının her dönemin filmlerini, hatta geri dönülmez bir şekilde yok olmuş olanları bile takdir edeceği sıcak bir nostaljik neşe durumuna bizi sürüklüyor. 90'lar, 2000'ler. Bu, eski filmlerin parçalarıyla anlatılan yeni bir hikaye.

sashabrainstorm.medium.com

the little things izle

the little things altyazılı izle

the little things türkçe dublaj izle

oscar filmleri izle

İzlediklerim: The Report - Rapor (Scott Z. Burns 2019) IMDb 7,2

 

İzlediklerim: Left-Handed Girl - Solak Kız

 

İzlediklerim: Late Shift (Heldin) - Gece Vardiyası

 

İzlediklerim: Sore: A Wife From The Future - Sore: Gelecekten Gelen Eş

 

İzlediklerim: The Testament of Ann Lee

 

İzlediklerim: Everything Everywhere All At Once - Her Şey Her Yerde Aynı Anda (2022) IMDb

 

İzlediklerim: The Teachers' Lounge - Öğretmenler Odası

 

Eski İzlediklerim: Los Delinquents - Los Delincuentes - Kabahatliler (Rodrigo Moreno 2023) IMDb 6,7

 

Analiz 1

Arjantin yapımı bu film, daha önce tanımadığım yazar/yönetmen Rodrigo Moreno'nun eseri ve gerçekten de çok tuhaf bir yapım. Baştan belirtmeliyim ki ödüller kazanmış, ancak bana kalırsa kendi içinde çelişkili bir film. Bir yandan popüler bir çekiciliğe sahip, ilgi çekici, sıra dışı bir soygun filmi olmayı hedefliyor ve bunu Birinci Bölüm'de çok başarılı bir şekilde başarıyor. Ancak diğer yandan, İkinci Bölüm'de yaşananlar filmi giderek daha çok, Laura Citarella'nın Trenque Lauquen'i gibi son zamanlarda temsil edilen, meydan okuyucu türden Arjantin sanat sinemasının dünyasına götürüyor . Bu karışımı son derece tatmin edici bulmadım ve özellikle de film üç saatten fazla sürdüğü için bu durum daha da belirginleşti. Ayrıca, İkinci Bölüm yarım saatten fazla daha uzun olduğu için, keyifli ve hayal kırıklığı yaratan bölümlerin dengelendiği bir durum da söz konusu değil.

Bununla birlikte, Suçlular'ın Birinci Bölümü oldukça ilgi çekici. Burada bile zıt unsurların bir karışımı var, ancak bu bağlamda etkili bir şekilde dengelenmişler. Buenos Aires'teyiz ve yavaş ama ilgi çekici bir şekilde gelişen hikaye, uzun yıllardır bankada çalışan ve güvenilir bir memur olan Morán'ın (Daniel Elías) sessizce bankayı soymak ve iş arkadaşı Román'ı (Esteban Bigliardi) bu plana dahil etmesi için baskı kurmasıyla ilgili. Moreno, bu hikayeyi gerilim ve dram dolu hale getirmek yerine, iki güvenilir ve görünüşte saygın adamın suçluya dönüşmesinin yarattığı mizahı vurguluyor. Tüm bunlarda, klasik Ealing komedisi The Lavender Hill Mob'un uzaktan bir yankısını sezebiliriz ve eğlencenin bir kısmı da Morán'ın, emeklilik yaşına kadar işinde köle gibi çalışmaktansa, hapis cezasının ardından çalıntı parayı kullanma fırsatının çok daha arzu edilir olduğu fikrini benimsemesinde yatıyor.

Eğer bu Morán'ın oyunuysa, Moreno'nun oyunu da insanların ne kadar birbirine benzediği ve birbirinin yerine geçebildiğiyle ilgili altta yatan bir temayı ima eden dokunuşlar eklemektir. Birçok eleştirmen, birbirini yankılayan isimlerin kullanımına dikkat çekti: Bu, Morán ve Román ile başlar ve daha sonra Ramón (Javier Zoro) adlı bir film yapımcısı da onlara katılırken, II. Bölümde görünen iki kız kardeş Norma (Margarita Molfino) ve Morna'dır (Cecilia Rainero). Bunu önceden öğrendiğim için, aksi takdirde alakasız görünebilecek erken bir sahneye özellikle dikkat ettim. Burada, bir banka müşterisinin (Adriana Aizemberg), imzasının banka tarafından başka bir hesap sahibine ait olarak kaydedilen imzayla aynı olduğu ortaya çıktığında sorun yaşadığını görüyoruz. Oldukça farklı bir tür paralellik, banka müdürünü canlandıran oyuncu Germán De Silva'nın hapishanede bir çete lideri olan Garrincha rolünde yeniden ortaya çıkmasıyla ortaya çıkıyor. Tüm bu detaylar, filmin izlenebilirliğiyle canlanan soygun hikayesine eklenen eğlenceli süslemeler olarak etkili oluyor; sadece Elías ve Bigliardi'nin iyi seçilmiş olması değil, Moreno'nun yönetmenliğinin, kurgu ve kamera hareketleriyle desteklenmesi de çok iyi ayarlanmış. Seçilen tarz, standart bir soygun gerilim filminin geriliminden yoksun olabilir, ancak benimsenen yaklaşım, merakımızı uyandıran ve bizi tamamen içine çeken bir film ortaya çıkarıyor.

Ama bu Birinci Bölüm. İkinci Bölüm hikayeyi devam ettirebilir, ancak aslında bir aşk hikayesine dönüşüyor. Bu iyi olabilirdi, ancak Román'ın Córdoba'da Norma ile tanışmasıyla başlayan olaylar, bir süreliğine aşırı uzatılmış ve ilgisiz hissettiren kırsal bir idile dönüşüyor. Gördüklerimiz, Román'ın bu cennette gerçekten de cennetini bulmuş olabileceğine bizi hiçbir şekilde ikna etmiyor. Ardından Román Buenos Aires'e dönüyor ve Norma, burada sunulduğu gibi, onu takip ediyor. Her halükarda, bu aşamada karakterlerin birbirlerini yankılamaları artık bir kenar süsleme olmaktan çıkıp, kısmen gecikmiş bir ifşayı içeren bir geri dönüş yoluyla, doğrudan anlatının içine dokunuyor. Ne yazık ki, şimdi olanlar inandırıcı olmaktan ziyade bir senaristin kurgusu gibi görünüyor ve ana karakterler, davranışları ve duyguları yazar tarafından manipüle edilen kuklalara dönüşüyor, bu da onlara karşı ilgimizi kaybetmemize neden oluyor. Kabul edilebilir derecede keyifli anlar var, örneğin Moreno'nun Piazzolla, Poulenc, Bach ve Saint-Saëns gibi önemli bestecilerin müziklerini çok çeşitli bir şekilde kullanması gibi, ancak Trenque Lauquen'de Citarella'nın yönetmenlik becerileri, senaryo çok daha az etkili hale geldiğinde bile izleyiciyi tutmaya yardımcı olurken, Moreno bunu başaramıyor ve bizi (en azından beni) sıkılmış ve hayal kırıklığına uğramış hissettiriyor.

Filmin sonlarında, merhum Ricardo Zelarayán'ın 'Büyük Tuz Düzlükleri' adlı şiirine özel bir vurgu yapılıyor ve bu da Suçlular'ınBir soygun öyküsünden bir aşk öyküsüne evrilen film, şimdi de Zelarayán'ın sözlerini anahtar olarak kullanarak felsefi bir esere dönüşmeye çalışıyor. Eseri, okuyucu tarafından sessizce okunup üzerinde düşünülürse gerçekten de harika bir şiir olabilir, ancak burada ilk kez sözlü bir alıntı olarak duyulduğunda kesinlikle kolayca kavranamaz. Hayatta kolayca gözden kaçabilecek, ancak yine de gizemle örtülü küçük şeylerin önemine işaret edebilir. Ancak ne olursa olsun, şiir, Moreno'nun bu öyküyü anlatmaktaki amacının tam olarak ne olduğunu anlamamızı sağlayacak net bir bakış açısı sunmuyor. "Suçlular"ı övenlerin aksine, benim film hakkındaki değerlendirmem tamamen ilk bölümüyle sınırlı: bu bölüm son derece özgün ve eğlenceli ve Moreno'nun ne kadar iyi bir yönetmen olabileceğini gösteriyor, ancak filmin geri kalanı bana göre bir fiyasko.

filmreviewdaily.com

Analiz 2

Bazı suçlular dürtüsel davranır, ancak Rodrigo Moreno'nun "Suçlular" filmindeki baş kahraman (ya da değil mi?) Morán (Daniel Elías) uzun vadeli bir plan yapıyor. Buenos Aires'te banka memuru olarak rahat bir şekilde çalışan Morán, gizli amaçları gizleyen sessiz bir verimlilikle işini yapıyor. Bir gün, iş arkadaşlarının arkasından – ama şubenin güvenlik kamerasının önünde – sakin mizaçlı kahramanımız yaklaşık yarım milyon doları bir spor çantasına doldurup kaçıyor.

Morán'ın yaklaşan tutuklanması olup bitmiş bir olay: suçüstü yakalanmak planın bir parçası. Planı, parayı güvenilir – ama görünüşte bağlantısız – bir iş arkadaşına gizlice saklarken, bu arada ganimetin gizliliğine dair söz verecek birini bulmak. İyi hal hesaba katılırsa, Morán üç yıldan biraz fazla hapis cezasıyla karşı karşıya kalacak ki bu, ömür boyu elde edeceği kazançla kıyaslandığında çok fazla değil; dışarı çıktığında, ganimeti suç ortağıyla paylaşacak ve böylece her iki adamı da hayatlarının en güzel yıllarında onları hapiste tutacak bir sistemden kurtaracak.

Morán'ın erken emekliliğe giden kestirme yolu olarak planı dahiyane, ancak cesareti, sanki filmlerden çok tanıdık olan, temiz bir kaçışın imkansızlığını açıkça kabul ediyormuş gibi, gelişigüzel bir gerçekçilik duygusuyla yoğrulmuş. Birçok şeyi şansa bırakıyor ve seçtiği suç ortağının Román (Esteban Bigliardi) adında olması, kırılganlığını vurgulayan bir boyunluk takarak tanıtılması, kontrolü dışında bir tür kader simetrisine işaret ediyor. İsim oyunu, Nabokov tarzı absürt bir süsleme veya Arjantin ortamı göz önüne alındığında Borges tarzı bir şey olarak hemen göze çarpıyor; Moreno'nun filmi için alternatif bir başlık "Çatal Yollar Bahçesi" olabilir. Ya da belki "İki Kral ve İki Labirent".

Şüphesiz ki, Suçlular bir soygun filminden çok daha fazlası olmayı hedefliyor: Kasıtlı olarak uzatılmış üç saatlik süresiyle – gecikmelere, sapmalara ve uzun geçişlere bolca yer verilmiş – Moreno'nun 2011'deki Gizemli Dünya'dan bu yana ilk dramatik filmi, varoluşsal bir destan gibi yapılandırılmış ve temposu ayarlanmış; sürüklenme hissini derinleştiren, blues, caz ve tango parçalarından oluşan üstün bir müzik seçkisiyle tamamlanıyor. Kritik anlarda sürekli karşımıza çıkan en derin parça, "Adonde está la libertad" – "Özgürlük nerede?" – başlığını taşıyor; film bu soruyu hem biçim hem de tema düzeyinde ortaya koyuyor. İki bölüme ayrılmış olmasına rağmen, Suçlular, karakterler ve onların anlatıları arasında ayrım yapmaktan ziyade, onları benzer (ve tuhaf) bir süreklilik boyunca haritalandıran, şekil değiştiren bir yapıya sahip. Dolayısıyla, Birinci Bölüm öncelikle Morán'a odaklanmış olsa da -ki hapis cezası beklediğinden daha ağırdır- Román'ın suç ortağı olarak statüsü de kısmen ele alınmıştır; ve ikinci bölüm Román'ın şehirden çıkış yolculuğunu takip etse de, Morán'ı tamamen göz ardı etmemektedir.

51 yaşında olan ve hem Lisandro Alonso hem de Lucrecia Martel ile aynı kuşağa mensup ancak festival çevrelerinde daha az tanınan Moreno, röportajlarında, Hollywood'a giderken Hugo Fregonese tarafından yönetilen 1949 yapımı Arjantin filmi "Zorlukla Suçlu"yu (Hardly a Criminal) anlatısal ve kavramsal bir ilham kaynağı olarak gösterdi. Bu filmde, haksız kazançlarını saklayan kumarbaz, şartlı tahliye edildikten sonra paranın ortadan kaybolduğunu görünce şok olur; James Mason'ın filmin sert kaderciliğinden o kadar etkilendiği ve Fregonese'yi Meksika'da geçen "Tek Yönlü Sokak" (1950) filmini yönetmesi için görevlendirdiği söyleniyor. Moreno, bu materyali uyarlarken, kara film türünün sadece çok hafif bir izini bırakmış; ton, hemşehrisi Mariano Llinás'ın büyülü gerçekçiliğine daha yakın, ancak mümkün olduğunca çok olay örgüsünü sıkıştırmaya çalışmak yerine, "Suçlular" (The Delinquents) olay noktaları arasındaki boşluklardan zevk alıyor. Film, anlatısal olaylar yerine, Morán'ın hapishane avlusundaki rakibini aynı oyuncunun banka müdürünü (Germán de Silva) canlandırması gibi, yardımcı rollerin aynı anda birden fazla kişi tarafından oynanmasıyla ortaya çıkan, baş döndürücü bir görsel ve sözel ipucu yığını sunuyor ve böylece çok farklı türdeki otoriter kötülükler arasında bir paralellik kuruyor.

Bu tür iki yönlü oyunlar, sembolik veya sosyolojik çizgiler boyunca çözümlenmeyi adeta yalvarıyor: filmin merkez sahnesi de aynı şekilde, teknik olarak ikinci bölüme ait olsa da, kendi içinde bütünlük arz eden bir pastoral sahne gibi işlev görüyor. Ya da belki bir hayal: Córdoba tepelerinde tökezleyerek ilerleyen Román, sırasıyla Norma (Margarita Molfino), Morna (Cecilia Rainero) ve Ramón (Javier Zoro) isimli iki genç kadın ve bir erkek belgesel film yapımcısıyla karşılaşır. Bu anagramatik ikizler, misafirperver ve baştan çıkarıcıdır; ortaya çıktığı üzere, Morán ile de tanışmaktadırlar. Bu tesadüfün önemi hiçbir zaman vurgulanmaz, bu da onu daha da büyüleyici kılar. Eğer suç ortakları ve görünüşte 'suçlular' olan Morán ve Román aynı lekeli madalyonun iki yüzünü temsil ediyorsa, ek karakterler kimlik sorusunu daha da karmaşıklaştırmak için mi tasarlanmıştır? Film çekimleri, Moreno'nun kendi sinema pratiğine dair bir meta-yorum mu? Yoksa görüntü yönetmenleri Inés Duacastella ve Alejo Maglio tarafından etli, cennetvari tablolar serisi olarak sunulan, güneş ışığıyla aydınlanmış, uyuşuk grup buluşmaları, bizi rasyonel sorgulamayı tamamen bir kenara bırakmaya mı zorluyor?

Birçok yönetmen için bu tür sorular, izleyicinin önüne – veya üstüne – atılacak meydan okumalar gibi olabilir. Ancak Moreno'nun daha nazik bir duyarlılığı var: Film ne kadar zekice olursa olsun, asla hesapçı bir dahinin eseri gibi hissettirmiyor. Aksine, tuhaf olana yönelik jestleri, her şeyden önce özgürlüğü önemseyen daha açık bir sinema türü adına, özgürce ve içtenlikle uzatılmış bir zeytin dalı gibi geliyor. (Bazı bölümlerin son derece komik olması da yardımcı oluyor: Diyalogların bazılarında, nadir bir skeç komedisi türünü çağrıştıran, ifadesiz bir nitelik var.) Eğer The Delinquents'ın alaycı, yavaş ilerleyen anlaşılmazlığıyla – ve açık uçlarının havada asılı kalma olasılığıyla – barışabilirseniz, ödül oldukça büyük. Bize gerçekten her şeyin mümkün olduğu bir film izlemenin nadir deneyimini sunuyor.

bfi.org.uk

Eski İzlediklerim: Emilia Perez (Jacques Audiard 2024) IMDb 5,3

 

Analiz 1

Fransız film yapımcısı Jacques Audiard'ın elinden çıkmış bir opera bir şeyi vaat edebilir, ancak Emilia Pérez'deki etkilerinin nereden geldiğini işaret etmek bile sizi daha derin bir çıkmaza sürükleyebilir. Ama bence Latin Amerika'da uyuşturucu baronu olan ve trans kadın olarak ortaya çıkan bir karakteri konu alan bir film yapma konusunda güvenebileceğim sadece birkaç heteroseksüel film yapımcısı var. Açıkçası, özellikle Emilia Pérez gibi bir film ortaya çıkarsa, Jacques Audiard'ın bu kişilerden biri olduğunu söyleyemem. Bu film sözde hayatı onaylayan bir hikaye olarak konumlanıyor, ancak aynı zamanda deneyimi daha da kötüleştiren çok derin bir nefrete de dayanıyor.

Zoe Saldaña, Meksika Şehrinde yaşayan ve çoğu tanınmış suçlu olan müvekkillerini hapisten uzak tutma konusunda yetenekli bir avukat olan Rita Moro Castro rolünde. Kısa süre sonra, bu durumun, Emilia Pérez (Karla Sofia Gascón) olarak yeni bir kimlik edinmesine yardımcı olmak için gizlice cinsiyet değiştirme ameliyatı geçiren şiddet yanlısı bir uyuşturucu baronunun dikkatini çektiği ortaya çıkar. Ancak Emilia'nın geçmişinin yavaş yavaş onu yakalamaya başladığı, özellikle de Emilia'nın eski karısı Jessi (Selena Gomez) ve iki oğlunun da bu karmaşaya sürüklendiği anlaşılır. Elbette, her şey çok operatik bir şekilde sunuluyor, ancak bu Audiard'ın hırslarını ancak bir yere kadar götürebilir.

Her şey, filmin trans bireylere, özellikle de baş karakterine bakış açısıyla başlıyor. Emilia Pérez, çevresindekiler tarafından sürekli olarak eski adıyla ve yanlış cinsiyetle çağrılıyor; hatta filmin birçok müzikal numarasından biri bile, kendi geçmişine, yani kendisi için yaşadığı bu yeni hayattan önceki döneme atıfta bulunmaya kararlı görünüyor. Film, Emilia Pérez'i geçmişteki koşullarını hatırlatmak için onu sürekli aşağılayarak kurgulanmış gibi hissettiriyor. Ancak bu koşulları sorgulamaya yönelik gerçek bir çaba yok, hele ki geçmiş bir hayattan veya kimlikten kurtulmak isteyen birine karşı neden bu kadar küçümseyici bir tavır sergilendiği hiç sorgulanmıyor.

Ekranlarda sadece trans bireylerin trans bireylerin hikayelerini anlatabileceği görüşünde olmasam da (Sean Baker'ın muhteşem Tangerine filmini bunun mükemmel bir örneği olarak gösteriyorum), Jacques Audiard'ın eşcinsellik anlayışının en iyi ihtimalle sığ, en kötü ihtimalle ise son derece gerici olduğu hissine kapılmaktan kaçınamıyorum. Emilia Pérez'in kimliğinin büyük bir kısmını, popüler medya tarafından uzun zamandır sürdürülen trans bireylerle ilgili birçok klişeye dayandırması zaten yeterince kötü, ancak bu klişeleri tersine çevirerek izleyicilerin sempati duyacağı bir karakter yaratmak, Audiard'ın gördüğü gibi hayatı onaylayan bir dönüşüm değil: ne yazık ki Karla Sofia Gascón'un hak etmediği şekillerde buna mecbur hissettiği bir dönüşüm.

Emilia Pérez'in bir opera librettosu olarak ortaya çıkması göz önüne alındığında , müzikal bölümlerin de filmin bir parçası olmasını bekleyebilirsiniz. Ancak bunların hepsi çok garip bir şekilde yerleştirilmiş ve tuhaf bir şekilde yapmacık, hatta anlatılan hikayeden dikkat dağıtıcı bir unsur gibi hissettiriyorlar. En kafa karıştırıcı olanı ise şarkıların sunulma biçimi: Audiard'ın en büyük ilham kaynaklarının çok romantik diyaloglar içeren pembe diziler olduğu söyleniyor. Ancak bu bağlamda, trans bir kadın ve onun bir uyuşturucu karteliyle olan ilişkisini konu alan bir filmde, bu durum çok rahatsız edici geliyor ve hiçbir zaman klişe olmaktan öteye geçemiyorlar.

Açıkçası, Emilia Pérez'deki yükün büyük bir kısmı kadın oyuncuların omuzlarına düşüyor. Zoe Saldaña gibi biri için bu role uyum sağlamak oldukça kolay çünkü filme elinden gelenin en iyisini veriyor. Ancak, gülünç bir senaryoyla çalışmasına rağmen, asıl yıldız her zaman etkileyici bir ekran varlığına sahip olan Karla Sofia Gascón; tıpkı Selena Gomez'in Jessi'si gibi, kenara itilmiş bir karakter gibi duruyor. Sonuçta, bu hikaye öncelikle Emilia'nın hayatında olup biten her şeyi izleyen karakter olan Saldaña'ya ait.

Emilia Pérez'in kötü olması yeterli olabilir , ancak bu çok tuhaf bir kötü film türü; çünkü daha yaşamı onaylayıcı bir dönüş yapmayı hedefleyen her büyük hamlesi, son zamanlarda çoktan geride bıraktığımız aynı şeylerle sizi vuruyor. Özellikle de trans anlatılarına dair anlayışımız, insanların acınacak durumda olduğu veya çevremizdeki dünyaya göre sapkınlık olarak görüldüğü noktaların ötesine geçtiği için. Elbette, trans bireylerin medyada temsil edilmelerine dair bakış açıları bu kadar tekdüze olmayacak, ancak açıkçası, Emilia Pérez gibi bir film için , daha önce yapılmış olanların bir karışımı gibi geliyor. Birdenbire onu bir operaya dönüştürmek bunu gizlemeyecek.

cinemafromthespectrum.com

Analiz 2

“Emilia Perez”, Meksika'da geçen ve Netflix'te yeni yayınlanan, gösterişli bir müzikal film. Eleştirmenlerin ve sektör ödüllerinin gözdesi olan filmde başrol oyuncuları Cannes Film Festivali'nde En İyi Kadın Oyuncu ödülünü birlikte kazandı . İki saatlik kısa süresi boyunca cinayet, sadakatsizlik ve cinsiyet değiştirme gibi birçok konuyu ele alan film, Meksika'nın bitmek bilmeyen uyuşturucu savaşının  acımasız ortamında geçiyor.

Film, zengin, ahlaksız ve aşağılık insanları savunmakta isteksizce uzmanlaşmış başarılı bir avukat olan Rita'yı (Zoe Saldana) tanıtan 40 dakikalık uzun bir prologla başlıyor. Güçlü bir uyuşturucu baronu olan Manitas (Karla Sofia Gascon) , Rita'ya kadınlığa geçişini tamamlayacak bir cerrah bulmasına ve ailesini Meksika'dan rakip kartellerden güvenli bir yere götürmesine yardım etmesi için başvuruyor. Manitas kendi ölümünü taklit ediyor ve kendini Emilia Perez olarak yeniden yaratıyor . Bu prologda Rita başrolde olsa da, filmin geri kalanında Emilia ön plana çıkıyor. Bu prolog, Rita'dan ziyade Manitas'a daha net bir şekilde odaklanılarak kolayca kısaltılabilirdi.

Saldana, Meksika'daki yolsuzluktan bıkmış olan Rita'nın öfkesini harika bir şekilde canlandırıyor . Rita'nın Manitas'ın teklifini kabul etmesi, yolsuzluğa karşı intikam alma, ülkenin karanlık siyasetine bulaşmak yerine ülkeyi terk etmek için yeterli karı elde etme olarak zekice tasvir ediliyor. Şarkılar açısından ise Saldana , "Todo y Nada" ve "El Mal" şarkılarında agresif ve güzel sesi ve atletik koreografisiyle  filmin en iyi müzikal sahnelerinden bazılarını taşıyor.

Yıllar sonra Emilia , ailesini Meksika'ya geri getirmek için tekrar yardım istemek üzere Londra'daki bir restoranda Rita'yı bulur . Manitas'ın öldüğüne inanan aile, başlangıçta Emilia'nın Manitas'ın kuzeni olduğu yalanını kabul eder . Ancak Emilia kimliğini gizlemekte başarısız olur, çocuklarına ve habersiz eski karısı Jessi'ye (Selena Gomez) karşı aşırı hassas davranır. Manitas olarak işlediği geçmiş suçlardan dolayı suçluluk duyan Emilia , karteller tarafından saklanan kayıp cesetleri ortaya çıkarmak için Rita'yı işe alır . Bu arada Jessi , daha önce Manitas'ı aldattığı eski bir sevgilisiyle yeniden bağlantı kurar . Hikayeye bu kadar çok şey dahil etmeye çalışmasıyla "Emilia Perez", hırsı açısından takdire şayan olsa da biraz fazla karmaşık. Jessi'nin sadakatsizliği ve Emilia'nın suçluluk duygusu gibi daha yerleşik olay örgülerine odaklanması gerekirken, gereksiz yere daha fazla olay ekliyor.

Gascon, altı yıl önce cinsiyet geçişini gerçekleştirdikten sonraki ilk uzun metrajlı filminde tüm dikkatleri üzerine çekiyor. Emilia, ailesiyle yeniden bağlantı kurmaya ve Manitas olarak geçmiş hayatındaki yanlışları telafi etmeye çalışırken filmin duygusal özünü güçlü bir şekilde taşıyor. Hem cinsiyet geçişinden önceki hem de sonraki Emilia'yı etkileyici bir şekilde canlandırıyor ve her iki karakter için de dramatik olarak farklı şarkı söyleme tarzları, beden dili ve kişilikler sergiliyor. Gomez, "Bienvenida" ve "Mi Camino" şarkılarında harika müzikal sahneler sergilerken , Jessi'nin öfkesini de güçlü bir şekilde yansıtıyor . Ne yazık ki, Jessi'nin karakterine izleyicilerin onun mücadelesine daha fazla sempati duyması için yeterli malzeme verilmiyor ve Emilia kadar öne çıkmıyor.

Yönetmen ve senarist Jacques Audiard, müzikallerle genellikle ilişkilendirilmeyen temaları, türleri ve fikirleri harmanlayan, benzersiz ve ilgi çekici bir film yaratıyor. Birçok şarkı, müzikal unsurlara ağırlık veriyor ve yatak odaları, restoranlar ve mutfaklar gibi basit mekanlarda geçen konuşmalar üzerinden ilerliyor. "La Vaginoplastia" gibi bazı şarkılar, yüksek enerjili ve abartılı bir tarzdan tam anlamıyla saçmalığa kadar uzanıyor. Diğer şarkılar ise daha duygusal bir etkiye sahip; örneğin, Emilia'nın cinayet kurbanlarının kayıp cesetlerini ortaya çıkarmaya yönelik çabalarına yardımcı olan gönüllülerden oluşan bir topluluğu konu alan "Para" gibi . Film ilerledikçe, Audiard'ın tüm olay örgüsünü tek bir soru altında birleştirmeye çalıştığı açıkça görülüyor: Cinsiyet geçişi, kişinin dünyaya veya sadece bedene bakış açısını değiştirebilir mi?

Uzun bir giriş bölümüne ve yeterince işlenmemiş olay örgüsüne rağmen, "Emilia Perez" müzikal ihtişamı ve sinematik yeteneğiyle parlıyor. Oyuncu performansları sürükleyici , görüntü yönetimi ise büyüleyici. Şükran Günü tatili boyunca evde film gecesi için mükemmel bir film.

theithacan.org

Eski İzlediklerim: The Girl With The Needle - Şişli Kız (Magnus von Horn 2024) IMDb 7,5

Analiz 1

Ter filmi ile tanıdığım yönetmen Magnus von Horn'un gerçek bir olaydan esinlenen yeni filmi Şişli Kız. İzlerken düşündüğüm şey tuhaf şekilde "istenmeyen gebelik" dahil pek çok şeyin yükünü kadınların omzuna nasıl yüklediğimiz oldu. Ve bu yükü yahut bir etiketi kadının omzuna gene bir başka kadın yüklediğinde daha da trajik bir durum oluşuyor. Yenidoğan çetesi gibi bir vaka varken gündemle çok uyuşan da bir film olmuş.

"Dünya korkunç bir yer. Ama öyle olmadığına inanmamız lazım." diyor filmde. Bu inanış ile hayatta kalmaya devam ediyoruz. Ve film boyunca her fırsatta duyduğumuz o replik : "Siz kesinlikle doğru olanı yaptınız."

Hayat boyu binbir sınavdan geçeriz. Bazen çıkarımız ile genel ahlaki düstur uyuşmaz. Ve böyle anlarda birbirimizi doğru olanı yaptığımıza dair ikna ederek hayatta kalırız. İnsan manipülatif bir hayvandır. Pençesi yoktur, dili vardır. Sorun şu ki, hakikaten herkes kendi perspektifinden haklıdır. Belki hayat budur. Binbir hakikat olması tek hakikattir.

 x'den alıntı

Analiz 2

Bu film hakkında konuşmak zor, çünkü kesinlikle bir film. Filmin ne sunduğunu keşfetmek için, film hakkında çok fazla bilgi edinmeden önce izlemelisiniz.

Yani eğer henüz izlemediyseniz, lütfen bu incelemeyi okumayı bırakın çünkü aksi takdirde filmin bir kısmını mutlaka öğrenmiş olursunuz, ancak şunu söyleyebilirim ki bu kesinlikle unutulmaz bir deneyim.

Almanya'da siyah beyaz çekilmiş tarihi bir öykü. Oyunculuğu ve film yapımcılığını takdir edeceğiniz, ancak bir film olmayan bu yapım, konusu nedeniyle tekrar tekrar izleyeceğiniz bir film. Bir süre sonra izlemesi zor bir yapım olduğu için kesinlikle tekrar tekrar izleyeceksiniz.

Film kasvetli bir başlangıç ​​yapıyor, ancak zaman zaman merhamet ve bağışlama sunarak ana karakterin hâlâ iyi bir hayata veya işlerin onun için düzelmesine bir şansı olabileceğini düşündürüyor, ancak daha sonra her şey yeniden kasvetli bir hal alıyor ve trajik bir sonla bitiyor.

Özellikle filmin üçüncü perdesine gelindiğinde, izleyicinin filmi bitirip devam edip edemeyeceği konusunda sınanacağı noktada, ekranda gösterilenler değil, karakterlerin yaptıkları, izleyicilerin çoğunu rahatsız edecek şey olacaktır. Özellikle de filmin sonunda bunun gerçek bir hikayeye dayandığı ortaya çıktığında.

Filmi izlerken, bu hikayeyi hangi hasta zihnin uydurduğunu ve bu kadar acımasız olmak zorunda olup olmadığını merak ediyorsunuz; ancak asıl korkutucu olan, bunun yazarın ve yönetmenin hayal gücünün bir uzantısı olmaktan ziyade, bir ölçüde gerçekleri sunması.

Film, nefes kesici bir şekilde başlıyor; ilk başta yoksulluktan zenginliğe uzanan bir hikaye olacağını düşünüyorsunuz ama aslında yoksulluk içinde zengin olmayı uman, zenginliğin tadına varan, sonra tekrar yoksulluğa düşen ve en kötü anlarda bir nebze olsun yükselip sonra da eskisinden daha da aşağıya savrulan bir hikaye gibi görünüyor.

Film, şiddet yanlısı karakterleri bile insancıllaştırarak, davranışlarına çarpık bir gerekçe sunuyor ve filmin sonunda biraz umut ışığı bırakmaya çalışıyor; bu da izleyiciyi "Acaba çok mu geç, karakterler çok mu ileri gitti?" diye düşündürüyor.,

Bu filmin en şaşırtıcı yönlerinden biri, Vic Carmen Sonne'nin canlandırdığı başrol oyuncusu. Oyuncu olarak tam bir bukalemun çünkü karakteri burada güzel olsa da, o kadar yıpranmış ve bakımsız ki sıradan bir görünümü var, ama aynı zamanda dikkat çeken bir görünümü de var. Ve bir sinema izleyicisi olarak, onu tartışmalı "HOLIDAY" filminden hatırlıyorsunuz; orada neredeyse bir kedi kadın, bir şeker bebek rolünü oynamıştı, tüm bu erkekler onu arzuluyor ve kelimenin tam anlamıyla onun için birbirlerine zarar veriyorlardı, burada ise önemsiz biri gibi muamele görüyor.

Bu film, her şeyden önce bir hayatta kalma öyküsü olarak karşımıza çıkıyor; siyah beyaz sinematografisi o kadar güzel ve zamansız ki, geçmişte yaşanmış olsa bile, insanların en kötü anlarında bugün bile yaşanabilecek bir şey gibi hissettiriyor.

Bu, konusu nedeniyle bir daha asla izlemeyeceğinizi bildiğiniz filmlerden biri; çünkü film muhteşem bir şekilde yapılmış. Film yapımı olağanüstü, ancak konusu herkesin izlemesi ve katlanması zor, grafiksel olarak gösterilmese bile sadece düşüncesi bile dehşeti, korkuyu hissettiriyor.

Kimse bu hikayenin neden anlatılması gerektiğini anlayamıyor, ama aynı zamanda olay örgüsündeki sürprizi öğrendikten sonra filmin etkisinin azalıp azalmadığını da merak ediyorsunuz. Sanki filmi hiçbir şey bilmeden izleyip olayların gelişmesine izin veriyormuşsunuz gibi, nereye varacağını bilmediğiniz bir yolculuğa çıkıyorsunuz ve sonra o seçim gerçekleşiyor. Ve bu seçim, sonraki izlemelerinizde de etkisini gösteriyor. Sürprizi öğrendikten sonra film hala güçlü mü, tekrar izlendiğinde aynı etkiyi koruyor mu, yoksa bu tek seferlik bir film miydi?

Altıncı His gibi filmlerin aldığı tüm övgülere rağmen, iyi yapılmış bir film olsa da, sürpriz sonu bildiğinizde aynı etkiyi yaratmıyor; peki sürpriz sonu olmasaydı aynı derecede dikkat çekici olur muydu veya zamanın sınavından geçer miydi? Her zaman olduğu gibi, sanırım bu bireye kalmış bir şey. Kimileri sadece yenilikler, film yapımı veya oyunculuklar için izlemeye devam edecek ya da geri dönmek için bir neden bulacaklardır. Sonunda ne kadar korkunç hale gelirse gelsin, hatta filmin gidişatını anlamak için ipuçlarını incelemek amacıyla bile izleyeceklerdir. Her zaman olduğu gibi, uyarayım, bu kesinlikle herkes için uygun bir film değil. Eğer çok hassassanız, bu filmi kesinlikle atlamanızı veya onun yerine film hakkında bilgi edinmenizi öneririm, çünkü film görkemli veya şiddet dolu değil, ancak incelikli ve sizi rahatsız edecek bir korku filmi.

bir blogdan alıntı

İzlediklerim: Two Prosecutors - İki Savcı (Sergey Loznitsa 2025) IMDb 7,1

Analiz 1

Sergei Loznitsa'nın bu sert ve sürükleyici filmi, 1930'ların sonlarında Stalin Rusyası'nda geçiyor ve muhalif yazar ve bilim insanı Georgy Demidov'un öyküsünden uyarlanıyor. Demidov, İkinci Dünya Savaşı sırasında 14 yıl boyunca gulagda tutulmuş ve 1980'lerin sonlarında ölümüne kadar devlet tarafından taciz edilmişti.

Tek kamera konumlarından çekilmiş yavaş ve uzun sahneleriyle ortaya çıkan film, Sovyet devletinin zombi benzeri varlığını taklit ediyor ve korkunç bir kaygının birikmesine izin veriyor: Kendini koruyan ve çoğaltan, kendisine meydan okuyanları suçluluk mikrobuyla enfekte eden kötü niyetli bir bürokrasiyi konu alıyor. Dostoyevski'nin Ölüler Evi'nden ve ayrıca -bir tren vagonunda garip bir şekilde sırıtan, şarkı söyleyen iki adamın ortaya çıkmasıyla- Kafka'nın Şatosu'ndan izler taşıyor.

Loznitsa ayrıca, hikâyesindeki zavallı siyasi tutsağın, Stalin'in Ukraynalı milliyetçi Symon Petliura'yı bastırmak için verdiği acımasız mücadelenin bir gazisi olduğunu da kaydetmemize olanak tanıyor. Hücrelerde, resmi koridorlarda, merdivenlerde ve hükümet bekleme odalarında geçen sahnelerdeki kabus gibi klostrofobi ve yönelim bozukluğu göz önüne alındığında, Demidov'un, Ilya Khrzhanovsky'nin 2020'deki büyük ve son derece karamsar çok filmli enstalasyon projesi Dau'nun konusu olan bilim insanı Lev Landau için çalışmış olması belki de sinematik bir dipnot niteliğinde . Filmin başlığındaki ilk savcı, idealist genç bir avukat olan ve şaşırtıcı derecede erken bir şekilde devlet savcısı görevine terfi ettirilen Kornyev'dir; sakalsız gençliği, temas kurduğu deneyimli, tecrübeli avukatları hem cezbediyor hem de rahatsız ediyor.

Bryansk'ta yüksek güvenlikli bir hapishanede yaşlı ve son derece hasta bir mahkum olan Stepniak'tan (Aleksandr Fillipenko) tuhaf bir "mektup" almıştır; mektup, yırtılmış bir karton parçasına kanla yazılmıştır (hapishane yetkililerinin bu tür protesto mektuplarını yakmak için kullandığı yakma işleminden kurtulmuştur). Mektupta, güvenlik servislerinin, NKVD'nin, hukukun üstünlüğüne saygı duymadan, hapishaneleri ve yargı sistemini kullanarak kendisi gibi parti emektarlarından oluşan eski bir kuşağı işkence edip öldürdüğü ve yerlerine fanatik derecede sadık ama toy ve beceriksiz bir Stalin yandaşları grubunu getirdiği iddia edilmektedir.

Hapishane yetkilileri, kibarca ısrarcı Kornyev'i Stepniak'ı hücresinde ziyaret etmesine izin vermeden önce saatlerce bekletmekte, açıkça onun pes edip gideceğini ummaktadırlar – Loznitsa, bu silahlandırılmış ataletin Sovyetler Birliği'nin her yerinde dilekçe sahiplerine karşı geleneksel resmi yaklaşım olduğunu göstermektedir.

Ayrıca, mahkumun kötü sağlığı ve olası enfeksiyonu nedeniyle Kornyev'in ziyaretini "ertelemesi" gerektiğini iddia ediyorlar. Bu açık bir kafa karıştırma taktiği ve Stepniak'tan enfeksiyon kapma fikri garip ve mide bulandırıcı bir anlam taşıyor.

Stepniak'ın korkunç durumu ve işkence kanıtlarından dehşete düşen ve Stepniak'ın saygın hukuk bilgisine ve uzmanlığına (belki de filmin ikinci başsavcısıdır) sahip olduğunun farkında olan Kornyev, endişelerini en yüksek yetkiliye iletmek için Moskova'ya trenle gidiyor – yerel halkın hiçbir şey yapmayacağına ikna olmuş bir şekilde – ve bu da Kornyev'i tıpkı hapishane müdürü gibi saatlerce bekleten ve patlayıcı iddialarını rahatsız edici derecede dikkatli bir sakinlikle dinleyen ifadesiz başsavcı Vyshinsky (Anatoliy Beliy) oluyor.

Buradan itibaren, Kornyev'i korkutmak, caydırmak ve kontrol altında tutmak için gizli bir komploya dair daha tuhaf ipuçları ortaya çıkıyor – birbirleriyle hiçbir ilgisi yokmuş gibi görünen ancak tıpkı Rosemary's Baby'deki çeşitli komşular gibi aslında bağlantılı olan kişilerle yapılan görüşmeler. Moskova'ya giden trende Kornyev, tutsak Stepniak'ın ürkütücü bir ikizi olan (ve aynı oyuncu tarafından canlandırılan) tahta bacaklı geveze bir yaşlı askerle karşılaşır ve bu asker, genç Kornyev'in bakir olmasıyla ilgili alaycı sözler söyler; bu sözler daha sonra tuhaf bir şekilde tekrarlanacaktır. Hükümet binasında Kornyev, hukuk fakültesinden sınıf arkadaşı olduğunu iddia eden genç bir adamla karşılaşır ve adam, peşinde olduğu davayla ilgili sorular sorar; ancak Kornyev daha önce hiç tanışmadığını hatırlayamaz. Ve en rahatsız edici olanı ise, Kornyev'in duvara yaslanmış, korkudan felç olmuş, hiçbir yetkilinin kendisiyle konuşmamasını uman ve alçak sesle Kornyev'e oradan çıkış yolunu soran garip bir adamla, belki de bir dilekçeciyle karşılaşmasıdır. Belki de Kornyev'in kendisi de çıkış yapmadan önce çok dikkat çekmeden ve hareketsiz kalmalıdır.

Bu, tiranlığın sinsi mikro süreçlerinin oldukça rahatsız edici bir örneğidir.

theguardian.com

Analiz 2

Sergei Loznitsa'nın ustaca kurgulanmış, simsiyah " İki Savcı " filmine bizi götüren giriş kapısı, ardında hiçbir iyi şeyin olmadığı türden devasa, yaralı bir metal kapıdır. 1937 Sovyetler Birliği'ndeyiz ve bu nedenle, başlığın da hızla belirttiği gibi, "Stalin'in terörünün doruk noktası". Daha sonra bu acımasız kapının ikinci kez açılacağını ve Marx'ın ünlü sözünü yeniden yorumlayacak olursak, şu anda etrafımızda tekrar eden, bu kez grotesk bir şekilde komik olmayan bir fars olarak karşımıza çıkan tarihi bir trajedinin son perdesiyle kapanacağını söylemek bir spoiler sayılmaz.

Devasa çelik kapı, bir hapishanenin girişidir; kasvetli ortam, Oleg Mutu'nun kusursuz, kilitli, Akademi oranlı sinematografisinin görsel kalitesi ve Christiaan Verbeek'in muhteşem klasik müziği sayesinde kasvetten kurtulur. Balta suratlı gardiyanlar iskeleli avluda emirler yağdırırken — Jurij Grigorovič ve Aldis Meinerts'in ustaca bir prodüksiyon tasarımı olan, derme çatma ahşap arka planın her karesi X olan dev bir tic-tac-toe oyununa benzediği bir mekân — neredeyse komik, gösterişli bir trompet sesi duyulur ve tüm incelikle koreografisi yapılmış görüntüye Jacques Tati'den bir dokunuş katar.

Zayıf ve yetersiz beslenmiş mahkumlardan oluşan ekipler, yozlaşmış ve paranoyak bir devleti ayakta tutmak için gereken bazı angarya işleri yapmakla görevlendiriliyor. Bu işlerden biri, "Sevgili Yoldaş Stalin"e hitaben yazılmış, açılmamış parti üyelerinden oluşan büyük bir dilekçe yığınını yakmak; bu iş, zayıf bir bahaneyle hapse atılmış yaşlı bir adama düşüyor. Adam, küçük bir soba bulunan bir odaya tıkılıyor ve eline tek bir kibrit veriliyor. Soluk renkler, adamın solgunluğu, oturduğu soğuk ışık huzmesi – sahne, Metuselah veya Musa'nın klasik bir tablosunu andırıyor ve bu kahramanca olmayan ve çirkin eylemin kahramanca güzel bir şekilde çerçevelenmesi, Loznitsa'nın biçim ve içerik arasındaki yakıcı kullanımıyla koruduğu ironik tonun mükemmel bir örneği.

Yaşlı adam, kendisine gönderilen her mesajı yok etmesi konusunda uyarılmış olmasına rağmen, mesajlardan birini çalar: üzerine birkaç karalama yazılmış bir karton parçasını gömleğinin içine saklar. Bu tek notta bir şey vardı ki, bu zavallı yaratığı bile riskli bir merhamet gösterisine yöneltmişti. Belki de kanla yazılmış olmasındandı. Bu küçük direniş eylemi istatistiksel olarak ne kadar olasılık dışı olsa da, daha da olasılık dışı, görünmeyen bir olaylar zinciri gerçekleşir ve not, yerel savcı Kornyev'e (az kelimeyle de olsa büyüleyici ve etkileyici bir performans sergileyen, yıldızlaşması beklenen Aleksandr Kuznetsov tarafından canlandırılıyor) ulaşır. Boksör profili ve doğrudan, inanmaz bakışlarıyla Kornyev, genç, zeki ve ilkeli yeni bir atamadır ve ateşli bir şekilde inandığı sistemin bu niteliklere ne kadar az önem verdiğine tamamen hazırlıksızdır.

Kornyev hapishaneyi ziyaret eder ve hapishane yetkililerinin sinirli itirazlarına ve geciktirme taktiklerine rağmen ("İki Savcı" filminin büyük bir bölümü Kornyev'in sert sırtlı sandalyelerde oturup beklemesinden oluşur), notu yazan mahkum Stepniak'ı (Alexander Filippenko) görmekte ısrar eder. Kornyev'in bir zamanlar saygın bir düşünür olarak tanıdığı ve hukuk fakültesindeki jübilesinde "Büyük Bolşevik Gerçeği" üzerine konuşma yapmış olan Stepniak, yerel NKVD (gizli polis) tarafından gördüğü kötü muamele ve adaletsizliğin öyküsünü anlatır ve Kornyev davayı Moskova'ya kadar götürmeye karar verir. Orada, anıtsal bir belediye binasındaki sonsuz gibi görünen bir merdivenin tepesinde, uzak amiri, ifadesiz bürokrat Vyshynsky (Anatoli Beliy), devasa bir ofiste oturur ve sıkı bir şekilde uygulanan bir programa göre yalvaranlarla kısa, acımasız görüşmeler yapar.

Georgy Demidov'un 1969'da yazdığı ancak 2009'da yayımlanan bir kitabından uyarlanan hikaye, belirli bir gerilim duygusuyla ilerlemiyor; ancak 2025 yılında geçen olaylarda, bir karakterin "uzmanların yerini cahil şarlatanların aldığı" bir kültüre karşı isyan ettiği anlar gibi, tanıdık bir şeyin şokunu yaşayabileceğiniz anlar olabilir. Bunun dışında, tarihsel bakış açısıyla Kornyev'den çok daha fazlasını bildiğimiz ve en önemsiz anın bile Loznitsa'nın kendine özgü alaycılığıyla harmanlandığı bir ortamda, giderek daha da talihsizleşen kahramanımız için olayların nasıl gelişeceği konusunda pek fazla sürpriz yok.

Ancak bu, ani açıklamalar veya gereksiz sürprizlere dayanan bir film değil. Aslında, Kornyev'in yavaş yavaş artan aşağılanmalarının ve hayal kırıklıklarının sıradan ve tahmin edilebilirliği filmin asıl noktası. Filmin cazibesi dokusunda, yıkımı ise ayrıntılarında yatıyor; düşmüş bir cesedin hapishane avlusundan sanki hiç orada olmamış gibi hızla kaldırılmasından, Kornyev'in zil çaldığında hafifçe sıçramasına kadar. 

Loznitsa'nın önemli ve son derece etkili bir belgeselci olarak mirası tartışılmaz, ancak son iki kurgu filmi - 2017 yapımı "Nazik Bir Yaratık", sosyal sürrealizmde biraz tatmin edici olmayan bir çalışma ve 2018 yapımı "Donbass", daha saldırgan bir kara komedi - daha az olumlu karşılandı. "İki Savcı"da, belki de kaynak metne saygı duyarak, Loznitsa bu iki filmden daha düz bir çizgide ilerliyor ve sonuç çok daha güçlü oluyor; sanki katı bir biçimsel estetiğin, totaliter kontrol altında yaşamanın yaygın, insanlıktan uzaklaştıran dehşetini ne kadar etkili bir şekilde yansıtabileceğini görmek için kendi kendine koyduğu bir meydan okumayı başarmış gibi. Bu, "İki Savcı"yı izleme deneyimine neredeyse dokunsal bir edebilik katıyor; tıpkı sayfaları eskimiş ama içgörüleri acı verici ve canlı bir şekilde taze kalan, Camus, Kafka veya Orwell'in ince bir cep kitabı klasiğini okumak gibi.

vanety.com

İzlediklerim: F1

İzlediklerim: Bogonia